Film(sprache) als Lieblingssprache

Die Berlinale Talents laden zum Gespräch ein. Programmleiter Florian Weghorn und Projektleiterin Nikola Joetze stellen im Interview das Programm 2024 vor und sprechen über die Bedeutung von guter Kommunikation und gegenseitigem Verständnis für die filmische Zusammenarbeit.

Euer Thema dieses Jahr lautet „Common Tongues – Speaking out in the Language of Cinema“. Was genau ist diese gemeinsame Filmsprache und wie wird sie bei Berlinale Talents gesprochen?

Florian Weghorn: Wir suchen jedes Jahr ein Thema, das uns als Berlinale Talents selbst betrifft und gleichzeitig das Filmschaffen an sich anspricht. Wenn man mehr als 200 Menschen aus 68 Ländern zusammenbringt, ist die Sprache natürlich ein ganz wesentlicher und auch zentraler Motor der Verständigung. Das Thema soll uns herausfordern und die Augen öffnen für diesen Umstand, den wir vielleicht für selbstverständlich genommen haben. Durch die Auseinandersetzung wollen wir das kritisch hinterfragen oder auch gemeinsam fortentwickeln. Wenn man an Sprache denkt, denkt man zunächst einmal an die verbale Sprache und an Verständigung, Vermittlung und auch das Verbinden untereinander. Das sind ganz zentrale Aspekte, die Berlinale Talents grundsätzlich ausmachen. Und die Filmsprache gehört als unsere größte und beste Lieblingssprache aller dazu.

Einen gemeinsamen Nenner finden – das wirft die Frage nach Inklusivität auf. Eine gemeinsame Sprache beinhaltet eventuell viel, das als vorgegeben angenommen und weitergegeben wird. Wie spiegelt sich dieser Konflikt in eurem Programm wider und wo seht ihr noch Hürden, die abgebaut werden müssen?

FW: Das ist ein ganz zentraler Punkt, vielleicht sogar der zentralste, wenn man sich über Verständigung, Vermittlung oder das Entwickeln von Sprache unterhält. Wir müssen uns über die Verhältnisse und die negativen und positiven Kräfte, die darauf einwirken, bewusst sein. Das ist in bestimmten Situationen teilweise ganz simpel zu beantworten: Wer das Mikrofon in der Hand hat, kann sprechen, die anderen müssen zuhören. Das sind Machtverhältnisse, die wir oft tolerieren und akzeptieren, weil sie unseren Alltag organisieren, die aber nicht ausgenutzt werden dürfen. Und das ist im filmischen Arbeiten genauso. Worüber ich spreche und was ich zur Sprache bringe, ist nicht nur inhaltlich interessant, sondern auch von der Frage her, ob ich überhaupt die Einladung und vielleicht auch manchmal die Berechtigung habe, zu sprechen. Wir vertiefen diese Thematik im Gespräch mit zwei Filmen aus dem aus dem Berlinale Special (Das leere Grab) und aus dem Wettbewerb (Dahomey). Zwei dokumentarische Arbeiten, die sich mit Kolonialverbrechen auf dem afrikanischen Kontinent auseinandersetzen. Auch für filmische Perspektiven ist die Frage entscheidend: Geben wir jemandem eine Stimme oder hören wir Menschen zu, die bereits eine Stimme haben?

NJ: Eigentlich würde ich mir wünschen, dass es so etwas Utopisches gäbe wie einen Babelfisch, den man sich ins Ohr setzt und alle können mit ihren „Native Tongues“ sprechen, mit denen wir uns am wohlsten fühlen, alles verstehen, aber auch verstanden werden. Stattdessen reden wir alle auf Englisch als größten gemeinsamen Nenner. Deshalb gibt es in Bezug auf Inklusion bei Berlinale Talents auch drei Veranstaltungen, die zwar übersetzt werden, aber bei denen auf der Bühne Französisch oder Mandarin gesprochen wird. In thematischer Hinsicht kann uns so auch der Akt der Übersetzung selbst nochmal gegenwärtiger werden, ob das, was man hört und sagt und was wir für selbstverständlich nehmen, in allen Sprachen das Gleiche bedeutet. Ziemlich sicher nicht, das ist spannend!

NJ: Zusätzlich beschäftigen wir uns im Sinne der Verständigung damit, wie wir zum Beispiel bestimmte Programmpunkte so auf dem Handy transportieren können, dass sie lesbar sind und somit noch mal für andere Menschen zugänglich sind. Auch bietet das Livestreaming im Netz wieder die Möglichkeit, Gespräche sofort schriftlich übersetzen zu lassen und so einen weiteren Zugang zu generieren, auch wenn man nicht vor Ort sein kann. Aber ich glaube, dass mit Blick auf unsere Talente aus 68 Länder und den verschiedenen Sprachen, so ein Babelfisch eigentlich so das Tollste wäre, aber wir haben leider noch keine Lösung dafür gefunden.

Welche Stimmen (Talente) kommen dieses Jahr nach Berlin?

NJ: Es fällt mir immer schwer, einzelne herauszuziehen. Wir haben sicherlich viele herausragende Talente, wie zum Beispiel Anna Hints, die Regisseurin von Smoke, Sauna, Sisterhood, die nebn ihrem Editor Tushar Prakash als Talent teilnehmen wird. Oder auch Sophie Linnenbaum, die Regisseurin von The Ordinaries.

FW: Die 202 Teilnehmer*innen sind unter den 4000 Bewerbungen gefunden worden. Und das Ziel von Berlinale Talents ist keine Auswahl im elitären Sinne, sondern wir gehen davon aus, dass diese Menschen alle bereits tolle Talente sind. Wir hoffen, dass durch die Kombination vieler verschiedener Talente etwas Neues, Unbekanntes, Unerwartetes entsteht. Der Austausch, die Gemeinschaft und auch das, was eben erst durch die Verbindung einzelner Menschen zustande kommt: neue Projekte, neue Kooperationen, Freundschaften oder einfach ein Gefühl von Zugehörigkeit.

117 Talents-Alumni sind 2024 mit ihren neuen Filmen im Berlinale-Programm vertreten. In welcher Form werden Alumni auch bei euch vorbeischauen?

FW: Es wird keinen Tag geben, an dem nicht mindestens fünf Alumni irgendwo in den Programmen oder in den Talent Circles oder in einem Workshop auftauchen. Unsere Beziehung mit der Community ist eng und geht auch über das Festival hinaus: Inzwischen sind viele Studiokoordinator*innen, die bei uns die fachspezifischen Workshops leiten, auch Alumni. Wir sind ein ganz gutes Arbeitgeber*innennetzwerk geworden!

NJ: Daran lässt sich auch erkennen, dass eine starke Verbundenheit durch Berlinale Talents entsteht. Man lernt sich an diesen sechs Tagen nicht einfach nur kennen, sondern da wächst ein Communitygefühl sowie der Wunsch sich gegenseitig zu helfen, zu unterstützen. Und das findet auch in diesen ganzen Räumen statt, die es bei Berlinale Talents zwischen den offiziellen Programmpunkten gibt.

Wie spiegeln sich Veränderungen in der Filmindustrie in Euren Workshops und Veranstaltung wider? Diese Edition folgt einem Streik der Drehbuchautor*innen und Schauspieler*innen in den USA, der u.a. den neuen Einfluss von KI-Technologien betraf. Wird das von Euch aufgegriffen? Welche anderen Veränderungen werden adressiert?

FW: Unabhängig vom Bekanntheitsgrad sagen wir unseren Gästen: „Du kannst bei uns ein ‚Meeting Among Colleagues‘ erwarten und mit dem Publikum ein ‚Meeting with Cinema Lovers‘ dazu bekommen. Wir erwarten keine Masterclass, keine Lecture und Du darfst auch gerne mal eine Frage, statt einer Antwort haben.“ Sobald die Gäste dann auf der Bühne sind, spüren sie diese besondere Beziehung. Und dann entsteht etwas ganz Magisches. Man feiert gemeinsam Kino und oder man debattiert. Das ist nicht immer nur lustig, aber immer bereichernd. Und ich glaube, so war es bei TÁR auch. Cast und Crew haben gemerkt, dass sie da noch mal was bieten können, das sie an anderer Stelle vielleicht nicht gemacht hätten. Cate Blanchett hat sehr deutlich gemacht: Das bleibt jetzt nur unter uns!

Wir sagen immer, dass wir mehr Theater als Film machen. Wir schaffen Räume, über deren Rahmenbedingungen wir uns sehr viel Gedanken gemacht haben. Dadurch sind wir im Inneren relativ frei für das, was sich dann entwickelt. Die TEDDY Talents Talks sind ein ganz gutes Beispiel dafür, da sie diese Idee selbst zum Erlebnis machen. Sie bieten Visionär*innen des queeren Kinos einen Raum, ihre Ansichten und Thesen nebeneinander zu stellen und erstmal zu beobachten wie sie sich im Raum ausbreiten. Wie das Publikum und wie die Menschen, die da sprechen, dann untereinander darauf reagieren, ist jedes Mal neu und eine einmalige Erfahrung.